Cinema Orly

Saí do espetáculo "Cinema Orly" e pensei:" Que porrada!". Sou hoje mais um alguém encarregada de reverberar as vozes que não foram ouvidas porque " O cinema Orly saiu do cinema Orly. O mundo é o cinema Orly". Duvidam? Vamos aos fatos.

O cinema Orly, cinema pornográfico localizado na Cinelândia, centro da cidade do Rio de Janeiro, frequentado por diversos gays, bissexuais, travestis, inclusive homens casados que, claro, não iam somente assistir uma sessão de cinema, foi também um reduto, um gueto no qual aquelas pessoas podiam viver suas experiências sexuais sem ser incomodadas pela polícia. No seio da sociedade não, lá fora eram logo enquadradas na contravenção penal de vadiagem, mas ali no cinema Orly ninguém as incomodava. O espetáculo não retrata somente o cinema Orly, hoje fechado, mas traz a importante discussão de um tema absolutamente atual, pois as pautas ultraconservadoras estão aí para retirar direitos e tornar uma parcela da sociedade sem voz. 

A ideia do espetáculo surgiu quando o ator Teo Pasquini encontrou o autor do livro Luís Capucho em uma festa e adquiriu deste um exemplar cuja edição já se encontrava esgotada. A dramaturgia foi feita por Gustavo Colombini que não se ateve tão-somente a potente descrição das experiências do autor, frequentador assíduo do Orly, mas pesquisou a época, a sociedade, a política, contextualizando o lugar, dando a importância histórica e libertária necessárias. O resultado é um texto forte, onde a sexualidade está envolta no poder de fala, poder de expressão e poesia.

Diogo Liberano pegou esse texto e dividiu o espectador, colocando alguns perto do ator, perto de seu corpo, de seus movimentos e outros atrás de uma cortina onde é possível só ouvi-lo como se estivessem diante de uma tela de cinema. O diretor propõe dois tipos de sensação ao espectador, uma plateia-corpo e uma plateia-projeção. A direção insere todos dentro do cinema através de marcações que evidenciam os encontros que lá se davam com o personagem principal ou quando nos deparamos com vários frequentadores interpretados pelo ator que ora rasteja como um réptil, roçando o ventre no solo, ora acaricia as poltronas do cinema como se fossem dorsos. A sexualidade, a sensualidade, a solidão são muito bem expostas pela excelente direção.

Teo Pasquini é um ator que não opta pelo lugar-comum, ao contrário, escolhe difíceis e brilhantes caminhos para seu personagem, a começar pela opção de fugir dos estereótipos, apresentando a mais profunda e dolorosa humanidade. Por isto, seu trabalho é tão rico, intenso na expressão corporal, calcado no texto, mas acima de tudo no subtexto construído pelo ator. É explícito sem precisar usar de qualquer gestual óbvio, ao contrário, sua interpretação é visceral, eloquente e poética. Uma interpretação profundamente sensível. Não é preciso ficar nu para se desnudar em cena. A palavra desnuda.

O desenho do espaço assinado por Diogo Liberano nos faz relembrar o que é o verdadeiro Teatro, pois faz uma sugestão, propõe a imaginação e isto é imprescindível. Os objetos cênicos a cargo dele e de Teo Pasquini guardam uma característica em comum, quase todos são fálicos como um desodorante, garrafas de água, lanterna, sapatos masculinos... 

O desenho de luz também de Diogo Liberano e Luiz Paulo Barreto contribui para a sensação de se estar no interior do cinema. Sempre optando pelo tênue.

Por fim, devemos ouvir, reeditar, reescrever, distribuir as vozes que não foram devidamente ouvidas. "Cinema Orly" é um espetáculo para todos e o livro será relançado pela editora Carambaia. Um verdadeiro grito de alerta.

Ficha técnica CINEMA ORLY

A partir do livro homônimo de Luís Capucho

Atuação: Teo Pasquini

Dramaturgia: Gustavo Colombini

Direção: Diogo Liberano

Direção Assistente: Marcela Andrade

Dramaturgismo: Suzana Velasco

Desenho do Espaço: Diogo Liberano

Roupas e Objetos: Diogo Liberano e Teo Pasquini

Desenho de Luz: Diogo Liberano e Luiz Paulo Barreto

Intervenção Sonora: Diogo Liberano e Gustavo Colombini

Preparação Vocal: Lucia Provenzano

Terapia Corporal: Andrêas Gatto

Operação de Luz e Som: Luiz Paulo Barreto

Ilustrações e Cenotécnica: Lucas Chetta

Design Gráfico: Marcio Andrade

Intérprete de LIBRAS: Alex Sandro Lins

Assessoria de Imprensa: Rachel Almeida – Racca Comunicação

Gerenciamento de Redes Sociais: Thaís Barros

Fotos de Divulgação: Thaís Grechi

Assessoria Jurídica: Clarisse Stephan

Captação de Apoios: Bruno Paiva e Danuza Formentini

Produção Executiva: Danuza Formentini

Direção de Produção: Danuza Formentini e Teo Pasquini

Idealização: Teo Pasquini 

Serviço

Temporada de estreia: 05 a 27 de outubro de 2023

Teatro Glaucio Gill: Praça Cardeal Arcoverde, s/nº – Copacabana, CEP: 22040-030, Rio de Janeiro/RJ Dias e horários: quintas e sextas, às 20h

Sessões acessíveis com tradução em LIBRAS: 20 e 27 de outubro, às 20h

Ingressos: R$ 40 (inteira) e R$ 20 (meia-entrada)

Duração: 75 minutos

Lotação: 101 lugares, dos quais 24 lugares são “plateia-corpo” e 77 “plateia-projeção”

Classificação: 18 anos

Venda de ingressos: https://funarj.eleventickets.com/ Telefone da bilheteria: (21) 2332-7904

Segunda Temporada: 02 a 05 de novembro de 2023

Teatro Dulcina: Rua Alcindo Guanabara, 17 - Centro, Rio de Janeiro - RJ

Dias e horários: quinta e sexta, às 19h, sábado, às 15h e às 19h, e domingo, às 15h e 18h.

Sessões acessíveis com tradução em LIBRAS: 4 e 5 de novembro, sábado e domingo, às 15h

Ingressos: R$ 40 (inteira) e R$ 20 (meia-entrada)

Duração: 75 minutos

Lotação: 101 lugares, dos quais 24 lugares são “plateia-corpo” e 77 “plateia-projeção”

Classificação: 18 anos

Venda de ingressos: https://www.sympla.com.br/

Antes Que Eu Me Esqueça

Foto: Victor Gustavo Almeida

Tony Bennett em seu show "One last time", em 2021, chamou Lady Gaga para dividir o palco em uma canção, porém o que ocorreu ali foi uma verdadeira lembrança do nome dela. Ela iria participar,  mas para ele, diagnosticado com Alzheimer, naquele pequeno instante, a memória foi épica.

Tony Bennett é mais uma pessoa, dentre milhares, que foi diagnosticada com Alzheimer. Seu vinil faz parte do cenário do espetáculo  "Antes Que Eu Me Esqueça". Com certeza, coisa de caso pensado. Há, sem dúvida,  um trabalho de pesquisa intenso que se traduz num texto que induz o espectador à reflexão da importância da memória na vida de cada um, da importância do não desperdício do tempo de lucidez, da possibilidade de se viver terrivelmente  sem identidade, sem autoreconhecimento. A orientação dramatúrgica, muito bem sucedida, é de Karen Acioly.

O texto de Mariana Pantaleão e Matheus Rodrigues apresenta um músico que sofre um acidente e é diagnosticado com Alzheimer. Primeiro, é importante destacar a escolha de um músico como personagem, já que todos sabemos que este tem como consequência de seu ofício desenvolver a matemática, bem como a contagem do tempo. A ausência de memória neste caso torna ainda mais instigante o desenrolar da trama.

Walter, um músico que vive solitariamente a progressão da doença nos ensina como "uma massa rosa de um quilo e meio" pode nos fazer tanta falta e causar tanta dor. O monólogo tem um início impactante, o personagem vai se perdendo ao longo de duas ou três frases repetidas à exaustão. Com o desenrolar da trama, percebe-se quem é aquela pessoa, seu passado, suas referências afetivas, sua luta diária para reforçar o que ainda lhe resta de memória, seja simplesmente a hora exata de tomar um remédio, seja um estímulo musical, sejam cartas lidas anos depois de terem sido enviadas. A dramaturgia envolve as reflexões do personagem em questionamentos diretos ao espectador. Por que só depois , no fim de tarde? Por que só começar a viver depois disso, após aquilo... Não há como deixar de ter com o espectador uma conversa ao pé do ouvido porque a maioria de nós faz exatamente isto. Ao contrário do que pode parecer, o texto não busca compadecimento, busca reflexão e  por isso talvez em muitas sequências o desenvolvimento é interrompido por outra nova proposta de reflexão.

A direção forte de Mariana Pantaleão juntamente com a interpretação do ator Renato Peres complementam o que pareceria algo puramente cerebral com muita emoção. A começar pela direção de ator, claramente há um trabalho intenso buscando extrair o cerne da questão, a memória. E neste aspecto, a diretora demonstra uma aptidão que resulta em cenas de intensa profundidade. Há uma proposta cênica muito bem elaborada, ora suave como nos instantes poéticos através da memória familiar do personagem bailando com um cabideiro, ora através da música que perpassa muitas cenas, mas também há a dureza da realidade desmemoriada desenvolvida através das projeções, inclusive da experiência sensorial provocada por "Um Cão Andaluz" , de Luis Buñuel, com roteiro compartilhado com Salvador Dalí, surgido através de sonhos de ambos. No texto há  uma fala dita pelo personagem do próprio Luis Buñuel: "É preciso perder a memória mesmo das pequenas coisas, para que percebamos que a memória faz a nossa vida. Vida sem memória não é vida (...). Nossa memória é nossa coerência, nossa razão, nosso sentimento, até mesmo nossa ação. Sem ela somos nada (...) e só posso esperar pela amnésia final". – Citação de Buñuel pelo neurologista e escritor inglês Oliver Sacks.

A direção de Mariana Pantaleão não deixa em nenhum momento o ator sem chão como se vê em muitos monólogos. Há, inclusive, um cuidado na direção de movimento de Amanda Laversveiler. Há um arcabouço pensado para impactar, conduzir e tocar o espectador. O resultado não poderia ser melhor. Direção lindamente conduzida e, na prátinca, muito inspirada, inteligente e criativa.

Renato Peres é um ator versátil. A começar pela construção do personagem. Não houve a opção por um caminho fácil, o a comiseração. Houve sim o compromisso com a integridade de comunicar um tema tão delicado de maneira séria. Seu personagem atinge diretamente a plateia com sua atuação que busca profundamente a essência dos portadores de Alzheimer. Vê-se ali a confusão, o esquecimento, a agressividade, a negação, a dependência, a emoção brotando quando o personagem escuta um vinil herdado do pai. Esta interpretação mereceria mil palavras que expressassem a perfeita modulação da voz, o trabalho corporal, a incapacidade cada vez mais acentuada, no tempo certo, da ausência. Quem tem ou teve alguma pessoa conhecida com esta doença sabe muito bem identificar o passo a passo até o silêncio e isto o ator vai nos revelando ao longo do espetáculo de forma contundente. O ator encarna um personagem muito difícil esbanjando maturidade e talento. Walter, de Renato Peres, existe e vive agora no seio de muitas famílias. Esta interpretação é para ser vista e revista muitas vezes, pois possui muitas nuances.

O cenário de Lina Da Hora é perfeito porque contém todas as referências do personagem. Um cenário funcional e cativante. Vê-se ali memórias em forma de objetos. Objetos dos quais muitos espectadores também têm memória.

A iluminação de Anna Padilha ajuda demais a construir as cenas, digo, o âmago das cenas, suas essências.

A direção musical de Raphael Muniz consegue traduzir as memórias do personagem músico e apresenta uma trilha sonora original emocionante.

Por fim, vale destacar que estamos no mês da conscientização do Alzheimer. É importante e um alento saber que as pesquisas têm avançado. Quem dera tia Nana, tia Coca, tio Plácido estivessem no tempo de agora. Minhas tias e tio, Tony Bennett, alguns célebres pintores, Walter e tantos outros. Por isso, não deixe para depois o que pode fazer já, assista "Antes Que Eu Me Esqueça" o mais breve possível, um espetáculo necessário e profundamente solidário.

SERVIÇO

Local: Teatro Ruth de Souza (Centro Cultural Municipal Glória Maria, antigo Parque das Ruínas)

Endereço: Rua Murtinho Nobre, Nº 169 – Santa Teresa

Temporada: de 02 a 24 de setembro (sábados e domingos)

Horário: 15h

Ingressos: R$ 30 (Inteira) e R$ 15 (Meia-entrada)

Link para compra:  https://riocultura.eleventickets.com/#!/evento/47ebaaea82bd5d84c3eb217a4173493671e6ad9a

Duração: 60 minutos

Classificação: 12 anos (menores de 18 anos acompanhados de um responsável)

Gênero: Drama

Lotação: 75 lugares

Ícaro And The Black Stars

Foto: Beá

Há espetáculos que perdemos por diversos motivos, mas que bom que retornam e temos a chance de ratificar todas as críticas de uma jornada de sucesso. Esse espetáculo já foi visto por mais de 60.000 pessoas e parafraseando nossa diva do rock, agora só falta você!

Então,  se por acaso você perdeu este espetáculo,  a boa notícia é que, como eu, terá a chance e o deleite de estar na plateia aplaudindo, rindo, compartilhando a energia envolvente, recheada de improvisos, mas com um alicerce potente.

Vamos por partes dar nome aos feitos. Pedro Brício imprime ao texto um lado bem-humorado e crítico  muito necessários. Vale lembrar que o espetáculo teve início em 2018 e continuou na pandemia, passando por todo o período nefasto do poder vigente à época. Então, sem dar spoiler, a viagem como ponto de partida para mostrar a Black Music, seus ícones,  sua representatividade é muito criativa e calcada em vasta pesquisa. Deve ter sido um trabalho árduo a escolha porque, todos sabemos, que neste universo há vasto mundo. A direção de Brício é um octopus, vários braços alcançam a plateia sem perder o ritmo. Há projeções, os músicos são precisos e bem integrados à DJ Tamy Reis conferindo uma sintonia de alta qualidade,  números de plateia, trocas de figurinos, velocidade a zilhões de anos luz.

Então, você se pergunta se é Teatro, se é show,  se é um misto de tudo junto e misturado. É isso mesmo, acertou. É tudo junto e misturado dando a liberdade para o espectador de cantar, de seguir o ritmo batendo as mãos. Você se sente absolutamente envolvido.

Ícaro Silva é daqueles artistas que aproveitou cada instante de aprendizado que a vida lhe ofereceu. Ele me lembrou uma frase dita pela tenista Bia Haddad a respeito da derrota na semifinal de Roland Garros. Ela disse algo como no tênis não haver derrota e sim vitória ou aprendizado. Nunca há perda. Ícaro demonstra que apesar de uma infância cheia de limitações, ele conseguiu aproveitar tudo o que a vida lhe trouxe, a começar pelo contato, ainda cedo, com a Black Music. Ele é completo. Está pronto para qualquer personagem, em qualquer contexto. Tem um pensamento ágil, improvisa com a maior facilidade, dança e canta maravilhosamente bem, é pulsante, entrega-se de corpo e alma. Foi um enorme prazer ver sua maturidade em cena. Acompanhado de mulheres extraordinárias  que são a Hananza e Joyce Cosmo. Impressionantes.

A direção musical de Alexandre Elias merece destaque. Para dizer em uma palavra, perfeita.

As coreografias de Victor Maia buscam as características de cada artista retratado e conseguem seu objetivo. Visualizamos cada movimento em máxima sintonia.

Os figurinos de Bruno Perlatto e Mariana Safadi são criativos e, ao mesmo tempo, leves e funcionais.

A iluminação de Paulo Cesar Medeiros nos transporta, atinge o clima necessário para cada performance.

Saí do espetáculo feliz porque vi profundidade nas críticas, beleza nos movimentos e no canto, envolvimento dos espectadores com os artistas. Enfim, digo a vocês, o espetáculo fica no Teatro João Caetano até 24 de junho. Não deixe escapar essa chance de se embebedar de felicidade.

Serviço Musical:

Ícaro And The Black Stars

Última temporada RJ: 08 a 24 de Junho de 2023.

Quintas, sextas e sábados, às 19 horas.

Teatro: João Caetano

Endereço: Praça Tiradentes s/n - Centro - Rio de Janeiro/RJ

Telefone: 2332-9257

Ingressos: R$ 60,00(inteira)  R$ 30,00(meia)

Vendas : na bilheteria do teatro e na ticketeira Eleven Tickets Imply

Classificação etária: 12 anos

Duração: 100 minutos

Existe dignidade na política ou há meandros sórdidos incapazes de serem superados? Trata-se de um tema universal que perpassa pelas democracias de todo o mundo e até mesmo presente em sua origem, em Atenas. Há teses que apontam que o próprio Sócrates era contra a democracia. O jornalista I.F.Stone ao escrever sobre o julgamento de Sócrates e sua condenação levanta a possibilidade da condenação ter se dado não só pelo convencimento de jovens das suas ideias, mas pelo filósofo ter se manifestado da seguinte forma:

“Acredito, e já o disse muitas vezes, que não deve o sapateiro ir além do sapato. Não creio em versatilidade. Recorro ao sapateiro quando quero sapatos e não ideias. Creio que o governo deve caber àqueles que sabem, e os outros devem, para seu próprio bem, seguir suas recomendações, tal como seguem as do médico." Claro que Sócrates se referia a conceder o leme àqueles que sabem navegar, segundo as pesquisas feitas por mais de 10 anos do autor do livro. Porém, que não se confunda que democracia e falta de dignidade na política são aliadas, ao contrário, é o que deve ser alijado.


Na obra do espanhol Ignasi Vidal nos deparamos com o questionamento sobre a dignidade na política, em um momento de extrema importância para nosso país, através de dois personagens que começaram juntos e dão sustentação a um grande partido político . Um deles, Francisco, lança-se na convenção do partido às eleições presidenciais como candidato da mudança, enquanto o outro, Alex, tem ambições de ser vice. Tudo parece, a princípio, uma reunião entre amigos no escritório do partido, mas se revelará aos poucos bem diferente de algo amistoso e, sem dar spoiler, o resultado caminha para um desfecho impactante e abjeto.


A tradução de Daniel Dias da Silva, exímio tradutor da língua espanhola, cria uma identificação imediata com o espectador. Vai conduzindo o texto original no tempo certo, dando ao espectador em pequenos goles a compreensão da dimensão do texto.


A direção também a cargo de Daniel Dias da Silva coloca um antagonismo na conduta dos personagens através de marcações contrapostas. Como num jogo, cada qual ocupando o espaço cênico diametralmente oposto ao do outro e isto confere ao embate uma linguagem simbólica entre o certo e o errado, mas sempre deixando uma nesga de dúvida até que ponto o valor, o merecimento, a elevação de fato existem naqueles personagens. O diretor propõe uma arena onde o espectador assiste pasmo aos "gladiadores". Direção primorosa e inventiva a todo instante, inclusive na solução dada à passagem de tempo.


Os atores Thelmo Fernandes e Claudio Gabriel, comemorando trinta anos de amizade com este espetáculo, expõem uma sintonia arrebatadora. Thelmo Fernandes interpreta Francisco a partir de sutilezas, de pequenos gestos, da voz mansa, porém em determinados momentos imperiosa, tudo no tempo certo de seu personagem. Ele traduz com perfeição o mistério que paira sob aquele encontro.
Claudio Gabriel, como Alex, possui uma inquietação, um ritmo acelerado interno através do tom de voz, dos gestos largos. O ator trabalha bem as fases do personagem, da aflição à ascensão, tudo com muita veracidade. Dois mestres na arte da interpretação. Vale destacar que os silêncios de cada um também são reveladores.


Quando o espectador ingressa na sala de espetáculo encontra um cenário enigmático, com casas de tabuleiro no chão e figuras geométricas que não se encaixam umas nas outras, mas que estão a querer mostrar que apesar de diferentes em cores e disposição no palco revelam sua igualdade. Este é o lindo trabalho de Natália Lana. A única ressalva diz respeito à altura das torres de pastas ou arquivos nas laterais, apenas porque em certos momentos atrapalham a visão do espectador. Mas, sem dúvida, o cenário é um dos pontos altos do espetáculo, bem como a iluminação enigmática de Vilmar Olos, trazendo clímax quando necessário.


A produção é impecável. Tudo de altíssima qualidade. Um espetáculo que nos faz refletir.


"Os homens deviam ser o que parecem ou, pelo menos, não parecerem o que não são." (William Shakespeare). Simples assim.






Serviço:
Temporada: Até 18 de dezembro. Quinta-feira a domingo, às 20h.
Ingressos: R$ 7,50( Associado do Sesc ), R$ 15,00 ( meia-entrada ), R$ 30,00 (Inteira)
Local: Sesc Copacabana- Rua Domingos Ferreira, 160 - Copacabana
Informações: 2547-0156
Classificação Indicativa: 12 anos
Duração: 90 minutos






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A Última Ata

Para bom entendedor um pingo é letra. Este dito popular retrata o que se extrai do cerne de "A Última Ata". Espetáculo que escancara os sórdidos políticos de uma cidadela estruturada em inverdades, apesar de ser um texto americano nos remete ao nosso querido Dias Gomes. Atemporal e, justo por isto, de fácil identificação , faz com que o espectador enxergue a cartilha da ganância, da corrupção, do massacre de um povo , de políticos mancomunados com o que há de pior no exercício do poder.

Somos transportados para Cerejeiras, uma cidade em que seus vereadores têm aversão às necessidades dos mais vulneráveis e são confrontados por outro vereador, recém chegado, fazendo com que toda a maracutaia que os envolve venha à tona.

O texto de Tracy Letts, originalmente "The minutes", foi indicado ao Tony Awards como melhor peça inédita montada na Broadway. O autor, que também é ator, é responsável por outro texto conhecido, "Agosto" que no cinema recebeu o nome de "Álbum de Família", interpretado por Meryl Streep, Julia Roberts e Sam Shepard.

Coube à iniciativa de José Pedro Peter traduzir, adaptar, assinar a produção artística e nos agraciar com este belo espetáculo, " A Última Ata". Sabemos que este esforço, em um período em que não há apoio governamental e fomento à cultura é admirável e merece muitos aplausos.

A direção é um capítulo à parte nesta tão bem sucedida empreitada. Na montagem brasileira a camara dos vereadores, em razão de forte chuva, foi interditada e toda a ação se passa no Teatro Municipal. Há aqui um passeio pela metalinguagem , o Teatro dentro do Teatro e a "encenação" ou farsa dos vereadores dentro da cena teatral. Uma sacada genial porque nada mais teatral, entre aspas, do que a atitude destes vermes políticos, como temos tido vários exemplos no cenário nacional. Além disso, a direção coloca todos os atores no mesmo tempo e espaço atuando sem parar em incontáveis minúcias. A vida como ela é. Sem tirar nem pôr. Há nuances em cada personagem para quem o espectador volte seu olhar. Isto confere uma dinâmica impressionante. Todos são participativos e atuantes "full time". Victor Garcia Peralta é um diretor criativo, profundo e sabe trabalhar seus atores. É daqueles diretores que dispensa toda a atenção ao trabalho do ator e, com isso, consegue extrair uma veracidade ímpar de cada um.

No elenco estão Alexandre Dantas, Alexandre Varella, Analu Prestes, Ary Coslov, Debora Figueiredo, Dedina Bernardelli, Leonardo Netto, Marcelo Aquino, Mario Borges, Roberto Frota e Thiago Justino.

Difícil falar da atuação de cada ator. Todos excelentes. Todos com suas bases no Teatro. 

Todos brilham, cada um em seu momento. Gostaria de destacar o elenco feminino com a atuação sempre impressionante de Analu Prestes como uma das vereadoras mais antigas e conservadoras, verbalizando com toda convicção absurdos. Dedina Bernadelli interpretando perfeitamente a servidora pública que honra sua função e Debora Figueiredo que traz o humor necessário ao espetáculo através de uma personagem à beira de um ataque de nervos. Gostaria igualmente de destacar o excepcional trabalho de dois grandes atores, Mario Borges e Ary Coslov, responsáveis pela condução e revolução do espetáculo, além de Alexandre Varella que confere humanidade ao seu personagem, o vereador questionador Amadeu.

 

Na parte técnica, destaco a sonoplastia de Andrėa Zeni que dá um colorido às cenas fazendo uma leitura perfeita. O cenário de Julia Deccache, os figurinos de Tiago Ribeiro e a iluminação de Ana Luzia de Simoni são bem adequados.

Não deixem de assistir "A Última Ata ". Estamos urgentemente precisando enxergar os meandros nefastos da política sem escrúpulos.

Serviço:

Teatro das Artes - Rua Marquês de São Vicente, 52 - Shopping da Gávea, segundo piso - Loja 264 - Gávea Telefone: 2540-6004

Temporada: até 13 de novembro. Sextas e sábados, às 21h e domingos, às 20h

Ingressos: Sexta( R$ 80,00) / Sábado e Domingo ( R$ 90,00 )

Duração: 90 minutos

Classificação indicativa: 12 anos

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Baile Partimcundum

Assistir ao infantojuvenil "Baile Partimcundum" é  desde logo perceber que o espetáculo tem muito o que dizer. É robusto no conteúdo e na forma, levando o espectador a despertar em si mesmo o lúdico atual, ou seja, o lúdico com mensagens que servem a todas as pessoas neste universo em que vivemos , sem com isso deixar de ser atemporal.

Inspirado nas canções do disco "Partimpim 2", de Adriana Calcanhotto, e dando continuidade ao primeiro espetáculo "Lá Dentro Tem Coisa” (2017), idealizado pelo ator e empreendedor cultural Felipe Heráclito Lima, a menina Isabel agora tem 12 anos , ama os livros, tem duas mães e se apaixona pelo personagem do livro, o príncipe preto Alexandre, que está para ser coroado em seu reino. Só por aí já se vê um espetáculo diferenciado e tão necessário no contexto de aversões e desrespeito às diferenças em que o nosso país foi imerso.

A dramaturgia é de Adriana Falcão e  Matheus Torreão. O amor pelos livros faz com que a menina Isabel entre na história com o intuito de encontrar o príncipe Alexandre que havia desaparecido com a suspeita de ter sido raptado pelo Leão. O reino tem personagens adoráveis  como o menestrel, que os editores o transformam em narrador, mas que é muito mais que isso, Aristocrates ,o fiel escudeiro do príncipe, que na verdade é  um sábio cavalo, a duquesa Alface, o Leão,  o príncipe Alexandre cujo pai foi um raio, mas que é inseguro e misterioso, isto sem falar em Isabel uma menina cheia de vida e posicionamento firme, uma personagem que ilumina tudo por onde passa, deixando preocupadas suas mães. A linguagem do texto utiliza a rima de maneira engraçada no menestrel e os diálogos entre os demais personagens são construtivos e criativos. Um texto delicioso, que desperta interesse do início ao fim.

A direção de Renato Linhares está toda calcada no livro que a menina lê  e as soluções cênicas são mágicas. O espectador é levado a se transportar de fora para dentro da história, contada de forma a valorizar a literatura e a imaginação. Há uma  comunhão com  a direção audiovisual de Murilo Alvesso executada com maestria. O espectador passeia por cenários diversos, até mesmo no fundo do poço. A ideia de uma brecha no livro que faz a menina ingressar nele e todos nós é genial porque não serve somente a isto, mas principalmente pela mensagem subliminar que traz. A direção é responsável por momentos memoráveis.

O elenco de atores-cantores composto por Caju Bezerra, Felipe Rocha, Léo Bahia, Lu Vieira, Thaís Belchior e Thiago Catarino está bem entrosado e maravilhoso! Cantam, dançam,  tocam instrumentos, tendo uma base por trás, interpretam com muita naturalidade e dão vida aos personagens de tal forma apropriados que até mesmo após o espetáculo muitas cenas de cada um deles ficam saltando na memória. Todos se destacam, cada um tem aquela cena inesquecível,  não há como deixar de apontar a excelência do elenco.

O cenário assinado por Bia Junqueira é deslumbrante e todo ele feito com diversos tipos de papel. Aqui, mais uma vez, nota-se a valorização à literatura. Como disse anteriormente,  há diversos cenários e todos muito bem elaborados, criativos e funcionais. 

O figurino de Karen Brusttolin aposta no surrealismo e são originais de roupas usadas por personagens do cinema das décadas de 60 a 80. Extremamente impactantes, coloridos e vibrantes.

A iluminação de Bernardo Lorga faz toda a diferença. Funciona quase como um personagem a mais tão casada está com as cenas, dando o clima perfeito ao acabamento destas.

A preciosa direção musical é de Felipe Habib e Maíra Freitas. As músicas "Alexandre”, “Ringtone de amor”, “Alface”, “O homem deu nome a todos os animais”, “Menina, menino”, “O trenzinho do caipira” e “Baile Partimcundum”  dispensam  comentários , têm  letras e arranjos contagiantes e festivos.

O Teatro precisou se adaptar a outras linguagens e aqui houve um casamento perfeito com o audiovisual. É o Teatro encenado, mas transposto pela câmera,  inclusive com efeitos de edição. Um trabalho meticuloso em todos os elementos e necessário por dizer a que veio. Um espetáculo para ser visto e revisto muitas vezes, como fazemos com aqueles livros que adoramos.

SERVIÇO

Espetáculo on-line: “Baile Partimcundum”.

Temporada: De 02/10 a 28/11. Dias e horários: Sábados e domingos, às 17h.

Local: Exibição via plataforma Sympla

Ingressos: Sympla – R$ 20 (inteira) | R$ 10 (meia) – www.sympla.com.br/produtor/sevenxproduesartsticas

Duração: 60 min. Classificação: Livre. Gênero: musical infantojuvenil.

 

 

A Menina Akili E Seu Tambor Falante, O Musical

A mãe África e toda a contribuição que deu ao resto do mundo através da música, da dança, da força contida na religiosidade, além da resistência de seu povo aos maus tratos recebidos é fonte inesgotável de inspiração.

O espetáculo através de uma menina e seu tambor falante, traz de maneira leve e divertida valores como o respeito à ancestralidade e acentua o empoderamento tão necessário. A título de curiosidade, estudos indicam que o homem, em sua origem, pela região em que habitava era preto, todos eram pretos e somente através das migrações e condições climáticas diversas foram embranquecendo, então partindo deste princípio, a origem de todos os povos é preta.


“A menina Akili e seu tambor falante, o musical”, roteirizado e protagonizado pela atriz Verônica Bonfim, tem direção de Rodrigo França e Valéria Monã na co-direção.


O texto, extraído do livro homônimo lançado em 2016 pela Editora Nandyala Livros, apresenta-nos Akili, uma criança que no dia de seu aniversário se deparou com a missão de se tornar Griote, uma contadora de histórias, guardiã da tradição oral do seu povo e juntamente com seu tambor falante Aláfia, vive aventuras até chegar ao que procura. O texto é rico em referências africanas, revelando uma cultura formada por extrema musicalidade, pluralidade e religiosidade. Um texto que desperta interesse em cada passagem, muito bem construído, com uma linguagem que atinge o coração das crianças e também de adultos. O tambor Aláfia, tocado por uma mulher, pontua a partida e a chegada da trajetória da menina e simboliza a vontade da mulher de estar onde bem quiser, inclusive tocando tambor.


A direção optou por colocar aparentes as instrumentistas, que também interpretam, em cena. A concepção é muito clara dada a importância delas para o desenvolvimento do espetáculo , mas por outro lado, em relação às cenas da menina Akili há pouco espaço no palco. A direção traz marcas criativas, explorando a expressão corporal, bem como criando as atmosferas adequadas.


As músicas são solares como é a própria menina. Excelente a direção musical de Cláudia Elizeu e co-direção do Grupo Dembaia. Há referências da capoeira, do maracatu, instrumentos como o pau de chuva, tambor, pandeiro, tudo harmonioso e envolvente.


A interpretação de Verônica Bonfim é cheia de vida, é carismática, sua Akili é uma criança encantadora, alegre, brilhante. Ótima atuação que opta por buscar o interior da personagem e não fazer uma construção de fora para dentro o que poderia acarretar um estereótipo, mas ao contrário, a atriz concebeu sua personagem conferindo qualidade vocal, corporal e emocional. Um trabalho admirável. É importante o destaque para a personagem aranha, com humor e expressão corporal perfeita, a atuação é um ponto positivo do espetáculo.


A iluminação do meio para o fim do espetáculo traz as cores necessárias à riqueza da história. Através dela poderia ter sido resolvida a questão do pouco espaço às cenas no palco.


O espetáculo cabe no coração de todos, pois aquece a cada um de nós, devolvendo o brilho da vida através da pureza e calor humano.

SERVIÇO:

ESTREIA

Local: https://www.youtube.com/c/OiFuturo

Data: 16 de outubro, sábado

Hora: 16h



TEMPORADA ONLINE

O espetáculo será exibido no Centro Cultural Oi Futuro e no Youtube do Oi Futuro

Data: 17 de outubro a 21 de novembro, sábado e domingo



Oi Futuro – Rua Dois de Dezembro, 63 - Flamengo

Hora: 14h e 16h

Agendamento: https://oifuturo.org.br/



Youtube Oi Futuro - https://www.youtube.com/c/OiFuturo

Hora: 16h

Era Medeia

 

Repugnante e excepcional ao expressar o desmerecimento, o desapreço, a menos valia pela condição feminina.

Vi o espetáculo on-line, justamente, na semana em que o governo desconsiderando a fragilidade das mais carentes em relação aos absorventes femininos vetou este item absolutamente necessário para a vida de muitas mulheres. Sem comentários.

"Era Medeia" retrata um processo de ensaio, expresso via live, do espetáculo Medeia, de Eurípedes.

Original em todos os aspectos por trazer para o público o processo do ator, a intermediação do diretor e a live, muito vivida nesses dias pandêmicos. Até aí tudo parece bem natural, mas há cavernas a serem exploradas nessa tríade.

A personagem da atriz, ex-esposa do personagem diretor que a abusa emocionalmente, traz seu domínio pela condição que ocupa como homem. Não é à toa que as mulheres estão exaltando o empoderamento feminino, abusadas milenarmente quem sabe está mais do que na hora de falarem tetê-à-tetê?

Começa o espetáculo com a atriz Isabelle Nassar afundada em sua própria roupa, quase enterrada. Ótimo e diz muito o figurino de Tiago Ribeiro. Depois o que se vê é o ex-marido e diretor do espetáculo a expondo a situações quase cruéis e desmoralizantes. Até o ponto de propor que joguem bolas quando não satisfeitos com o desempenho da atriz.

Medeia, a tragédia encenada, traída e abandonada por seu grande amor Jasão é um ícone, ainda que cruel e devastadora. Essa mulher, através dessa traição matou os filhos e deu de comer a seu ex-esposo. Nada há de mais desumano nessa conduta, mas a personagem atrai porque não deu causa à tragédia e como diz o texto::" Sabem os deuses quem foi o primeiro ator desse desastre".

O texto, direção e atuação de Eduardo Hoffmann, com supervisão de Cesar Augusto, é uma crítica à condição feminina imposta pelo patriarcado. Afinal, por que os homens se sentem tão superiores? A força, vide Golias, não é a maior das virtudes. Além do mais, o texto faz uma crítica à adoração pelo reality show. Por que se adora um programa que se diz reality e não mais um verdadeiro processo da arte? A verdadeira experiência se encontra no processo de criação como era sabido e hoje esquecido.

A direção coloca a figura masculina em primeiro plano, tendo a atriz sempre atrás e, muitas vezes, desfocada, para acentuar o referido domínio. Muito pertinente e clara a mensagem.

Vale muito a pena destacar a interpretação dos atores. Isabelle Nassar inteira na atuação, desde o início, tem a personagem nas mãos. Atua com sua voz no início baixa propositadamente e vai a elevando até o ponto do xeque mate. Em suas entonações não se vê o óbvio. Seus arroubos tão esperados calam fortes, tais como:

"Duvido que você faça com um homem, levaria um murro na cara."

"Cala a boca! Isso é desrespeito".

Uma interpretação estudada, aprimorada e convertida em belas sequências. O seu par, o ator Eduardo Hoffmann consegue imprimir muita veracidade ao personagem. Quanto detestamos esse ser desprezível que ele representa. Sua falta de sensibilidade que disfarça suas mágoas é bem expressa. Os atores são muito responsáveis pelo grande espetáculo.

Iluminação pungente de Renato Machado.

A atmosfera musical de João Mello e Gabriel Reis acrescenta muito ao espetáculo.

Era Medeia é imperdível. Você vai se ver ali. Tudo feito com esmero e perfeição. Se jogue nesta viagem da Grécia antiga aos tempos nefastos atuais.

 

Serviço:

Era Medeia

Até 18 de outubro

No canal do YouTube Firjan Sesi

Pode ser acessado a qualquer hora.

 

Gaivotas

 

Assistindo "Gaivotas" é quase impossível não nos remeter à influência de  Eugène Ionesco na obra do autor Matéi Visniec. Disse ele certa vez:

“Depois de ler as peças de Ionesco, nunca mais tive medo na vida. Mais do que qualquer sistema filosófico ou livro de sabedoria, foi Ionesco que me ajudou a compreender o homem e suas contradições, a alma humana, a vida e o mundo”. A solidão dos personagens, a quase não existência, quase transformados em bonecos do cotidiano expressam a insignificância humana bem presentes no Teatro de Ionesco. É bom destacar que a adaptação de Fernando Philbert nos reflete e nos faz pensar, pois já estamos em completo absurdo na própria vida real.

 

"Gaivotas", texto de Matéi Visniec que, fugindo da ditadura de Ceausescu na Romênia se refugiou na França, mostra esta solidão. Os personagens buscando o amor só encontram barreiras criadas por si mesmos ou pelas situações de vida. Dois escritores e uma atriz, sem plateia, numa realidade coberta de gelo, metáfora muito pertinente, nada mais produzem, sem espectadores, num triângulo amoroso com um desfecho inesperado.

 

A adaptação de Fernando Philbert introduz a realidade pandêmica de teatros fechando, da ausência de público, da realidade nua e crua que o autor sempre esboçou em seus questionamentos sobre o fim do Teatro. O teatro um dia deixará de existir? Não creio.

 

O texto, inspirado em "A Gaivota" de Thekhov, retrata os conflitos das relações  estabelecidas entre Konstantin, um escritor fracassado e seu amor pela atriz Nina que fora casada  com outro homem chamado Boris. Este, por sua vez, teve um relacionamento com a mãe de Konstantin.  Esse reencontro dos personagens, após 15 anos, proposto por Visniec, expõe ódios, frustrações, solidão daquelas de tremer todo o corpo envolto em gelo, literalmente, porém com uma mensagem de esperança.

A adaptação coloca o espectador bem próximo aos personagens, pois mescla seus rumos com a situação atual.

 

A direção de Fernando Philbert de teatro-metragem tem a linguagem adequada ao vídeo,  há o plano geral, mas também há o ponto de vista do ator através da câmera subjetiva , além de justaposições, tornando dinâmico o espetáculo, explorando as tensões , trazendo belas imagens.

 

No que concerne aos atores, é importante destacar o trabalho de Paulo Giardini, interpretando Boris. Há nuances e coloridos em seu texto, bem como na composição do personagem. Sua entrada traz uma mudança necessária ao desenvolvimento da trama. A atriz e produtora Bibiana Rozenbaum tem um desempenho emocional, conferindo extrema verdade à sua personagem Nina. A cena em que pisa no palco, um simples pano branco representando o Teatro, é um ponto alto. O desempenho do ator que faz Konstantin, Savio Moll, começa em alto nível e, por isso mesmo, incompreensível seu desenrolar tão pouco carismático. O desempenho do ator se torna ao longo do espetáculo, para o espectador, frio e distanciado.

 

O cenário de Natália Lana é perfeito. Em meio a tanto gelo criado de forma muito criativa há cadeiras de uma plateia muito reais. Esse detalhe torna tudo muito mais próximo do espectador brasileiro. A plateia com suas cadeiras  daquelas de madeira, antigas, trazem um recorte do que vivemos antes de tudo, antes do nada.

 

O figurino de Marieta Spada com fidelidade nos transporta aos personagens daquele tempo e lugar.

 

A música original de Marcelo Alonso Neves é envolvente e acentua todas as atmosferas.

 

Recomendo o espetáculo por acreditar que nos faz pensar no tempo presente. O Teatro tem o dom de nos espelhar. Alguns percebem, outros não, mas estamos ali naquelas gaivotas que não conseguem, por enquanto, alçar voos.

 

Serviço:

Sexta a domingo até  10 de outubro, às 20h.

YouTube  Sesc- RJ

Escombros

Objetos soltos em  escombros vão sendo resgatados e a partir deles passa a existir uma cena. Em meio à  devastação daquele universo e de relações deterioradas, todos os personagens  enlameados chafurdam no caos.

O espetáculo do Grupo Sobrevento, que está comemorando 30 anos de existência,  não poderia ser mais contundente, principalmente porque identificamos naquelas ruínas, naqueles cacos, naquela desordem e na firmeza dos personagens em se manterem  em pé uma identificação imediata. O Sobrevento nos espelha, pois se fôssemos traduzir em imagens o mundo em que vivemos,  encontraríamos nossos fragmentos no espetáculo.

 A dramaturgia é de autoria de Sandra Vargas. O espetáculo criado a partir do Teatro de objetos, linguagem que o grupo pesquisa há mais de uma década e com a colaboração das companhias francesas Théatrê de Cuisine e Théatrenciel, parte de uma ideia simbólica, mas perfeitamente demostrada, seja através de um casal que precisa de ar para continuar sua falida rotina, seja através de outro onde não cabe nem mais um diálogo tête-à-tetê,  ou ainda daquele que carrega suas dores retratadas em pedras. Enfim, os diálogos são diretos e não deixam dúvidas. As ruínas estão por toda parte , bem como em cada um dos personagens. A dramaturgia é sólida e criativa. Responsável direta por nos deixar boquiabertos. " A destruição do nosso entorno, a ruína de nossas construções, de nossa casa, de nossos sonhos termina por contaminar as nossas relações com os outros e, por fim, entranha-se em cada um de nós,  penetrando-nos os ossos e a alma", diz Sandra Vargas.

A direção também de Sandra Vargas e de Luiz André Cherubini é visualmente muito bonita! Apesar da destruição, a escolha pela lama no cenário e nos próprios personagens tem o condão de fazer com que imediatamente o espectador faça a leitura correta do que vê e do que está por vir. O espaço é muito bem aproveitado e os objetos, claro, são personagens à parte, eles são o fio condutor das cenas. Tais como as cadeiras, exploradas de todas as formas e possibilidades, as xícaras presentes em vários momentos, fragmentos que representam uma casa, tudo na mais completa harmonia cênica. Todas as intenções são perceptíveis. A direção dita o ritmo correto até chegar ao ápice.

Os atores estão perfeitos, no tom que a encenação exige, todos têm o momento apropriado para se destacarem. O elenco é composto por Sandra Vargas, Luiz André Cherubini , Maurício Santana, Sueli Andrade, Liana Yuri e Daniel Viana.

Os figurinos de João Pimenta são adequadamente brancos. Falam por si, pois têm uma representação muito importante naquele contexto de desolação.

A iluminação de Renato Machado é forte, marcante e precisa.

A música de Arrigo Barnabé e a canção de Geraldo Roca cantada por Márcio de Camillo tocam profundamente a alma do espectador, além do tom crítico muito necessário neste momento.

Nem sempre gostamos da nossa imagem vista no espelho, mas o que se vê em Escombros é de lavar a alma. Que belo retrato do mundo atual!

 

Escombros

Até 03 de outubro de 2021 (sextas-feiras, sábados e domingos).

Horário: 20h

On-line

Espaço Sobrevento: Rua Coronel Albino Bairão, 42 – Belenzinho (a duas quadras do Metrô Bresser – Moóca) – São Paulo

Para reservar seu ingresso virtual , envie um e-mail para info@sobrevento.com.br. É gratuito.

 

 

 

 

 

 

 

           

 

 

Sonhos De Uma Noite Com O Galpão

 

O Galpão, que teve sua origem no Teatro de rua , sempre se renovando ao longo de quarenta anos de existência, forte e exuberante, se faz presente nestes tempos de pandemia, da linguagem à distância.

Quem esteve e está em distanciamento sonha. Todos sonhamos.  O sonho é  a manifestação do inconsciente,  dos entraves do dia-a-dia, dos desejos, das expectativas e também premonitórios porque somos todos radares.

O que fez Pedro Brício com tudo isto? Alquimia de sabores. Pedro Brício é um dramaturgo potente. Fica muito clara a sua densidade e mergulho na pesquisa, além da facilidade que possui em expressá-la. Há no seu olhar muita sensibilidade. 

A direção, neste momento, é algo como uma reinvenção. Sem contato, através de lives, surgiu um jeito de adaptar a realidade consciente à arte. A arte sempre é consciente.  Sabe o que fazer, como fazer, porque fazer.  Sua dramaturgia se traduz na frase: " nós,  agora, somos todas essas pessoas". Sonhamos a vida inteira. De olhos abertos quando é fantasia e neste momento, de olhos fechados quando o sonho é pesadelo. No sonho há um desejo ou uma aversão.  A dramaturgia de Pedro Brício traz as possibilidades, imensas, enormes, do sonho nesta pandemia. Há crítica, afinal, ¨que época é essa em que os idiotas conduzem os cegos?¨ Louvável neste momento.

Sua direção teatro metragem é dinâmica. Conduz a  atmosferas de sonhos, sejam os mais díspares numa unicidade pertinente causando interesse a todo instante. Estes sonhos são  traduzidos em imagens absolutamente palpáveis.

O Grupo Galpão é indiscutível. Cada qual com seu papel em atuações sem peso, com proposital naturalidade, porém, magistrais. Mostrando a trajetória ímpar de um país do medo, do desassossego,  do que não dorme horas a fio. Imensas pausas para esse trabalho tão potente e marcante. Ficará nos idos da história teatral como uma visão correta de como o brasileiro, quiçá  o mundo, sonhou nestes tempos. Um registro  importante das nossas angústias  e em suas origens, voltando às ruas para saber, pesquisar e fazer acontecer o que cada qual sonhou.

Um belíssimo trabalho! Pena não listar cada nome envolvido.
Você tem a chance de vê-los até 12 de setembro.

Em Nome Da Mãe

 

Humanizar Maria, mãe de Jesus, faz pensar no poder desta, antes de tudo, mulher.  Este é o percurso que o espetáculo "Em Nome Da Mãe" traça para o espectador. Tarefa árdua de retirar o manto sagrado e de acentuar a difícil caminhada de uma mulher que, escolhida e abençoada, defendeu perante as leis dos homens sua gravidez do filho de Deus.

O espetáculo  foi concebido a partir do texto de Erri de Luca e faz paralelos com o universo da condição feminina no Brasil, em que apenas recentemente deixou de ser aceita em nossos Tribunais a absurda alegação de legítima defesa da honra, muito usada no Brasil para legitimar assassinatos de mulheres e que tais. Sempre é custoso pensar que, inclusive, o adultério foi deixado de ser tratado como crime somente em 2005, mas no Brasil colonial era penalizado com a pena capital para a adúltera e o amante.

Trata-se de um espetáculo que faz pensar sobre o momento em que o patriarcado se fez superior ao feminino justamente pela inveja de caber à mulher gerar. A vida, ainda que composta pela presença do homem, se dá através da gestação. É um poder que foi, desde os gregos, atribuído a Gaia.

O texto é riquíssimo. Lakshmi, Oxum, Kali, Iemanjá, Perséfone, estão representadas e invocadas, dentre outras. Trazer Maria em sua maternidade virgem,  naqueles tempos, em contraponto com as lutas do feminino hoje é trazer a mãe maior ensinando cada mulher a lutar.

O espetáculo foi encenado no Teatro Ipanema e é muito auspicioso visualizar o palco, ainda que a linguagem seja mais audiovisual do que teatral.

A atriz Suzana Nascimento, em sua solidão, traz a solidez da verdade em cada gesto, em cada olhar. Interpreta Maria e tantos outros personagens, em mudanças no tom de voz e atitudes e faz visualizar a figura amorosa de José, mesmo não presente. É uma atriz que vai ao longo do espetáculo ao encontro da imensidão do desfecho, dar à luz. Aliás, lindíssimo momento, de muita emoção, quando a mãe sabedora do destino do filho implora por ele. A concepção, dramaturgia e encenação é dela, senhora de tudo o que faz, preenche a cena com absoluta exuberância.

A direção de Miwa Yanagisawa, cada vez mais surpreendente, é de uma sensibilidade ímpar. Trabalha com elementos cênicos preenchendo o palco com a exatidão de quem tem uma intenção reveladora. Dança, torna assustador, torna mágico, brinca e balança com a atriz, mexe e remexe conosco. É uma direção lapidada cujo brilho reflete a todo momento.

A iluminação é um elemento importantíssimo nessa trajetória. A direção de arte, figurino e cenografia de Desirée Bastos faz toda a diferença. É preciosa!

Lindíssima a direção musical e a execução do celo de Federico Puppi.

Corram para assistir a este maravilhoso espetáculo que é on-line e gratuito, na plataforma do Sesc Rio, até 29 de agosto, às 19h.